Mario A / 亜 真里男

Emphasizing the works by Tomoharu Murakami, in the context of "Minimal Art".
The Japanese written part is especially targeting the Japanese audience, however, may I quote a tremendously interesting German written review about Murakami's work.


"Tomoharu Murakami" @ Galerie Ando, Tokyo
2010/7/6 - 24

http://www.ando-tokyo.jp/information/g-ando.htm


http://www.nrw-museum.de/output/controller.aspx?cid=102&detail=2&detail2=63

Tomoharu Murakami
Ohne Titel (Rot-Schwarz), 1986
Malerei
Öl, Acryl auf Japanbüttten
83 x 64 cm

Tomoharu Murakamis Gemälde Ohne Titel, ein Werk aus der Serie der Inori von 1986 reduziert sich auf einen vielschichtigen Farbenzweiklang. Die 83 x 64 cm messende Arbeit verdankt sich einer Mischtechnik von Öl und Acrylfarbe auf Japanbütten. Die unterschiedliche Materialität der Farbe gewinnt eine hohe Präsenz im Bild. Subtile Veränderungen der Oberflächenstruktur innerhalb einer Farbe werden bedeutsam. Die Konsistenz der Farben, das heißt ihre Pigmentdichte und die Differenz zwischen den verwendeten Bindemitteln Wasser und Öl, werden aktiv in den gestalterischen Prozess einbezogen. Auch die Art des Farbauftrags, immer wieder werden Schichten abgerieben, geschliffen und neu aufgetragen, wird sichtbar. Die dichten Farbsetzungen führen zu Modulationen innerhalb eines Tonwertes und damit zu Valenzverschiebungen der Farbe. Diese gewinnt oder verliert im Bild an "Gewicht". Da Tomoharu Murakami ohnehin mit einer extrem reduzierten Palette arbeitet, wird der Spielraum farblicher Eindrücke stark eingeengt. Das Raffinement des erzeugten Farbklangs ergibt sich also aus dem Zusammenspiel der leicht differenzierten Farbtöne, die durch den Farbauftrag als modifizierte Abweichung von Rot oder Schwarz wahrnehmbar werden.

Der Gegensatz zwischen Aktion (Rot) und dem Verlöschen (Schwarz) erscheint als fundamentale Ausdrucksform des Künstlers. In Murakamis Gemälde fließen die beiden unterschiedlich konnotierten Farben zu einem ambivalenten Ganzen zusammen, das sich auf ihre Valenz, Leuchtkraft und Fähigkeit der Lichtabsorption gründet: In der Malerei erfahren wir Schwarz als die Farbe der Negation, die alle anderen Farben ins Negative kehren kann. Und darüber hinaus gilt als physikalische Definition für absolutes Schwarz ein nicht leuchtender Körper, der alles Licht verschluckt. Rot vermag zwar das Schwarz zu durchdringen, scheint sich jedoch in der Zweideutigkeit zwischen Glanz und Verfinsterung beinah vollständig aufzulösen.

Zugleich lässt sich das Zusammenspiel der Farben ikonografisch deuten: Rot, das traditionellerweise als chinesische Glücksfarbe gilt, steht für Feuer, Licht Vitalität und unheilabwehrende Kräfte. Einer chinesischen Tradition entsprechend, wird die Braut in einem roten Brautkleid und einer roten Sänfte zum Ort der Hochzeitsfeier getragen. Gemäß der asiatischen Farbsymbolik kann Schwarz als allumfassende, da ursprüngliche Farbe verstanden werden. Aus den lichtlosen Tiefen des Kosmos, so die mythische Deutung, entstammen alle Wesen, die trotz ihrer Verschiedenheit und Farbigkeit durch ihre gemeinsame Herkunft aus der Finsternis verbunden sind. In der chinesischen Mythologie kennzeichnet die Sonnenfinsternis, die sogenannte "schwarze Sonne", darüberhinaus den Beginn eines neuen Zyklus. Diese zeitbezogene Symbolik besitzt die Farbe Schwarz auch in der antiken Ikonographie, wo sie als Farbe des Saturn gilt, der auf Zeit und Schicksal verweist. Das Feuer und seine mannigfaltigen Bedeutungszusammenhänge gilt schließlich als unmittelbarste visuelle Metapher für den Zusammenhang beider Farben.

Murakamis Werk besticht durch seine meditative Anlage. Der visuell erfahrbare Nachvollzug des Malaktes vermittelt Phänomene von Zeitlichkeit, wie den Eindruck rätselhafter Verzögerung und Verlangsamung. Die Farbenergie als visuelles Phänomen und die unterschiedlichen Zuweisungen und Bedeutungen generieren letztendlich ein offenes Bild, dessen Interpretation jeweils abhängig ist von der Bereitschaft des Rezipienten, diesen vom Künstler bereitgestellten Farbideen zu folgen.


S.K.


Bildrechte:© (der Künstler) Clemens-Sels-Museum, Neuss // Foto: Clemens-Sels-Museum




cccc - courtesy - creative common senses
Thomas Struth
Tomoharu Murakami and his wife, Tokyo,
colour photograph, 67cm x 90cm, 1991



cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
left: 「untitled」1991-92 no.9114、「untitled」1991 no.9116



cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
left：「untitled」1991 no.9116
right：「untitled」2004 no.8004




cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
「untitled」1991-92 no.9114
oil & acrylic on paper 61,5 x 45,5 cm



cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
「untitled」2001-2002 no.7252
oil on paper 30,7 x 23,1 cm




cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
「untitled」1991 no.9116
oil & acrylic on paper 61,5 x 45,5 cm



cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
「untitled」1991 no.9116
oil & acrylic on paper 61,5 x 45,5 cm, detail



cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
「untitled」1991-92 no.9114
oil & acrylic on paper 61,5 x 45,5 cm, detail



cccc - courtesy - creative common senses
by Galerie Ando and Tomoharu Murakami
「untitled」2001-2002 no.7252
oil on paper 30,7 x 23,1 cm, detail



cccc - courtesy - creative common senses
Yayoi Kusama with Lucio Fontana at the opening show of "Nul 1965", Stedelijk Museum, Amsterdam, 1965
Photograph by Andre Morain



cccc - courtesy creative common senses
Yayoi Kusama with members of "Zero", Stedelijk Museum, Amsterdam, 1965
From left: Jiro Yoshihara, next but two, Henk Peeters, Jan Schoonhoven, Mrs. Yves Klein, next but one, Lucio Fontana, Ad Peterson, next but one, Mrs. Lucio Fontana, Curator and his wife, Yayoi Kusama, George Rickey, Otto Piene, Nanda Vigo, next but one, Heinz Mack and Gunther Uecker



cccc - courtesy creative common senses

Galerist Alfred Schmela vor seiner Galerie in Düsseldorf, 1961



cccc - courtesy creative common senses

museum kunst palast in Düsseldorf während der ZERO-Ausstellung 2006



cccc - courtesy creative common senses

I was making these paintings on the Lower East Side and finally someone comes in and says "Oh, there's a guy on the other side of town doing things a little bit like this, you know, who's trying to make things disappear."

--Brice Marden (in conversation w/Chris Ofili, Artforum 10/2006)



cccc - courtesy creative common senses
"Sea of Japan....."
July 1963, Allan Ginsberg

Today I would like to thank all the people who engaged me doing my exhibition @ Bunkamura Gallery. Especially my gratitude goes to Hideki Aoyama (AOYAMA｜MEGURO OFFICE) and all the sympathic people involved from the Bunkamura Gallery, who realized the marvelous feed-back and sales. Further on I was glad in reading the names of the curators of the Museum of Contemporary Art, Tokyo (a.o.), Makoto AIDA and Hiroko OKADA and critics from magazines like 「artforum」in the guest book.
In the near future I will try to explain some of my works through this blog, also by in-putting the interesting opinions from several viewers.

See also my former blog entry:
"Bijin-ga" (Japanese Beauty) @ Bunkamura Gallery
http://www.art-it.asia/u/sfztpm/94uAmXJkK7saNLFw6ebW/?lang=en

From the bottom of my heart: thank you very much! ＾し＾
(The Japanese blog is written a bit differently)

Mario A. 亜 真里男



Mori Museum Chief Curator Mami Kataoka



Art critic Kentaro Ichihara



Art critic Yuji Yamashita



Art Fair Tokyo Director Takahiro Kaneshima



Art writer Chie Sumiyoshi



Japan Times Culture Department Edan Corkill



Former Japan Times Culture Department Monty DiPietro



Edition Treville Kenichi Kawai



Painter Erina Matsui



Rei Kagami



Jiro Miura and wife



Artist Malin Baumann, Megumi Namekata

Until this morning we celebrated Vivienne Sato's birthday party! Please enjoy the pics!
More detailed information on the Japanese side of this blog ＾し＾。

viviブログ↓
★http://ameblo.jp/yukai-viviennesato/
★http://www.shibuyabunka.com/blog.php?mode=getBloggerList&bid=10
★http://viviennesato.droptokyo.com/blogs/
★http://www.pass-the-baton.com/blog/

































appetizer for next "Vivienne 2/3" ;-)

Today starts the 1st Berlin Kreuzberg Biennale, which I'm introducing to the Japanese audience.
Maybe the newly 3331 Arts Chiyoda alternative place could take some inspirations from Berlin.

Arts Chiyoda
http://www.3331.jp/

3331 Grand Opening:
http://www.art-it.asia/u/sfztpm/kQfxFb3y6GucNp8qwoMI/

http://berlin-kreuzberg-biennale.org/


In this context I'm also explaining the career of the 3 curators of the 1st Berlin Biennale in 1998.
Klaus Biesenbach: New York MOMA chief curator & P.S.1 Director
Nancy Spector: New York Guggenheim Museum curator
Hans Ulrich Obrist: curator, art historian, London Serpentine Gallery co-director

Further on, a link to the NZZ newspaper in Switzerland, which reports seriously about this event.

9. Juli 2010, Neue Zürcher Zeitung

Von Künstler zu Künstler
Die erste Kreuzberg-Biennale in Berlin – ein spontanes Kunsthappening

Sieglinde Geisel ⋅ «Kreuzberg ist der beste Stadtteil in ganz Deutschland » , sagt der Künstler Tjorg Douglas Beer. Es gebe hier eine Gelassenheit, die er in New York und London vermisst habe, sagt er in seinem geräumigen Atelier, einer typischen Kreuzberger Hinterhof-Etage mit Gewölbedecke und Backsteinmauern. Als Künstler fühle er sich manchmal wie ein Angestellter, der Messen, Galerien und andere «Sekundärverwalter» mit seinen Arbeiten beliefere. Doch ab und zu wolle er die Dinge selbst in die Hand nehmen, «ganz direkt, von Künstler zu Künstler». Das war bereits die Idee hinter der «Galerie im Regierungsviertel» und der «Forgotten Bar» in Kreuzberg, wo die Ausstellung jeden Abend wechselt.


Die Kreuzberg-Biennale, die parallel zur Berlin-Biennale stattfindet, funktioniert ohne Budget und ohne Bürokratie. Das Motto «Ayran & Yoga» spielt auf Gegensätze an, die in Kreuzberg auch in einem Gleichgewicht stehen: Einerseits gilt Kreuzberg weltweit als drittgrösste türkische Stadt (dafür steht der türkische Trinkjoghurt Ayran), und andererseits soll es hier die grösste Dichte an Yogastudios in ganz Deutschland geben. Anders als in den Ostberliner Innenstadtbezirken werde der Schickeria-Aufschwung in Kreuzberg durch die gewachsene Substanz der türkischen Einwanderer gebremst, so Tjorg Douglas Beer. Gleichzeitig treffen die Gegensätze hier schärfer aufeinander als anderswo in Berlin: Auf der Strasse begegnet man Menschen, die in Mülleimern herumstochern, doch ausgerechnet in Kreuzberg steht seit kurzem auch ein umstrittener Luxusbau namens Car-Loft: Die Bewohner können das Auto per Lift auf dem Balkon vor dem Schlafzimmer parkieren.
Die Kreuzberg-Biennale besichtigt man am besten mit einer Führung. Wer auf eigene Faust losmarschiert, wird viele Freiluft-Kunstwerke («kleine, feine Eingriffe», so Beer) gar nicht als solche erkennen. Die kopierten A4-Blätter mit Manager-Dialogen, die Franz Stauffenberg an die Mülleimer beim Fraenkelufer geklebt hat, unterscheiden sich auf den ersten Blick in nichts von den Zetteln der «Initiative Grashüpfer», die ihre Mitbürger bittet, den Müll nicht herumliegen zu lassen. Manche Installationen sind auch bereits verschwunden. Das mit Goldgürteln bespannte Badminton-Netz beim Landwehrkanal etwa, das James Krone nächtens mit Zement im Boden verankert hatte, wurde wohl von der Stadtreinigung entfernt. Die meisten der Sponti-Arbeiten, die eigens für die Kreuzberg-Biennale geschaffen wurden, sind ohnehin nicht für die Ewigkeit gedacht: ein mit Klebeband umwickelter Laternenpfahl, ein Busch, in den ein DJ frühmorgens nach dem Auflegen ein Tonband ins Gezweig gehängt hat, oder die Entrümpelung eines Ateliers. «For the Free» steht auf dem Stuhl, den Ingo Gerken am Kottbusser Tor zum Mitnehmen hingestellt hat.
Der Hauptdarsteller der Biennale ist ohnehin Kreuzberg selber – und Kreuzberg ist phantastisch mit seinen Anti-Idyllen, seinen urbanen Überraschungen. In einem Spätkauf-Geschäft steht auf dem Kühlschrank ein altes Video-Gerät, auf dem Christian Jankowskis Kurzfilm «Die Jagd» (1992) gezeigt wird. Man sieht den Künstler, wie er in einem Supermarkt mit Pfeil und Bogen seinen Einkauf erlegt: ein tiefgefrorenes Huhn, eine Packung Margarine, ein Brot. «Früher mussten die Menschen auf die Jagd gehen, um sich zu ernähren, und heute kaufen sie sich alles im Supermarkt – nicht wahr, das ist der Sinn von diesem Film?», fragt der türkische Ladeninhaber. Genau so ist es.
Tjorg Douglas Beer schwärmt von der offenen Atmosphäre im Bezirk. Der Inhaber der Dönerbude neben der «Forgotten Bar» sei der beste Nachbar, den man sich wünschen könne. Bei ihm ist nicht nur der Schlüssel hinterlegt, er frage manchmal auch im Scherz, wann er endlich dran sei bei den Ausstellungen. «Döner ist auch Kunst!» Als er für die Kreuzberg-Biennale als Gastgeber angefragt wurde, hiess es, er könne in seinem Lokal keine Bilder aufhängen, auf denen Menschen oder Tiere dargestellt würden. Er bekomme sonst Schwierigkeiten mit der Kundschaft. «Das ist Theologie, verstehst du?» Doch wenn es sich um abstrakte Kunst handle, könne man darüber reden. Nun hängen vier Arbeiten von Arno Auer an der Wand über den Tischen, inspiriert von Skulpturen Erich Hausers.
In einer Kneipe mit dem vielsagenden Namen «Ohne Ende» hat der Künstler Thomas Helbig ein Schaufenster für eine Installation mit dem ebenso vielsagenden Titel «Stupor» ausgeräumt: Die Skulpturen-Fragmente erinnern an die Gliedmassen toter Tiere. Was anderswo leicht als Provokation hätte aufgefasst werden können, löst in Kreuzberg bei den Stammkunden Begeisterung aus. Hier trifft sich kein Alkoholikerproletariat, sondern gestrandete Kreuzberger Existenzen – ehemalige Intellektuelle und Revoluzzer, denen ein gewisser Sinn für Ironie auch im Elend nicht abhandengekommen ist. Heute sei übrigens die Putzfrau da gewesen, meldet die Tresenkraft. Um das Fenster zu putzen, habe sie das Kunstwerk aus- und wieder eingeräumt, und ausserdem hat sie ein Blümchen dazwischen gestellt. «Ist doch o. k. so, oder? Kommt ja nicht drauf an, wie man's hinlegt, ist ja sowieso cool.»

http://www.nzz.ch/nachrichten/kultur/kunst_architektur/von_kuenstler_zu_kuenstler_1.6492835.html

Two hours ago the release party of famous「Art Space Tokyo」occurred at Watari-um's "On Sundays" bookstore.
I honestly recommend this up-dated 2nd edition to everybody who is interested in the contemporary art world of Tokyo!
http://artspacetokyo.com/









Hideki AOYAMA (AOYAMA｜MEGURO), Craig Mod (Art Director), Ashley Rawlings (Editor artasiapacific magazine)





Holding the invitation card of my exhibition "Bijin-ga" (Japanese Beauty) @ Bunkamura Gallery ( 〜8th)
http://www.art-it.asia/u/sfztpm/94uAmXJkK7saNLFw6ebW/?lang=en

Thank you very much for coming & the delightful opening reception.
Some special moments I would like to happily share...

Sunday, the 4th, from 13:00 -14:00 you are cordially invited to my talk show ＾し＾

Tomorrow starts my exhibition @ BUNKAMURA GALLERY.
Looking forward to seeing you during the show, don't hesitate to contact me.

open every day : 10:00 - 19:30 　
last day: 10:00 - 17:00

Talk show on Sunday, July 4th：13：00 - 14：00

http://www.art-it.asia/u/sfztpm/SPCrgXRVHtAB2nWTGkxl/?lang=en

Thanks to ARTiT we can get a glimpse into ART BASEL、Volta、Liste etc.
http://www.art-it.asia/u/admin_expht/oRpT3QuJEglnhMOW8A5G

In the last days Takashi Murakami had been picked up at several important news media in the context of ART BASEL 41.

Bloomberg news:


「Los Angeles-based Blum & Poe sold a 2009 diptych of Murakami paintings based on the artist’s sculptures “My Lonesome Cowboy” and “Hiropon,” priced at $1 million.
Paris dealer Galerie Emmanuel Perrotin sold a version of Murakami’s bronze of a Manga-style “Yume Lion,” priced at $1.3 million, to a European collector.」

http://noir.bloomberg.com/apps/news?pid=newsarchive&sid=ahkJo9gL6HHY

Artinfo:

The Market Cooks at Art Basel, Sometimes at a Simmer, Sometimes at a Boil
By Judd Tully
Published: June 16, 2010
BASEL, Switzerland— The feel-good pill of market-recovery magic continued to have its invigorating effect on the second floor of Art Basel main hall, where the pulse of the primary market for contemporary works is taken.
“It’s great,” said Jeff Poe of Los Angeles gallery Blum & Poe. “It’s like 2006 again. The market’s not on fire, but it’s simmering.” The dealer saw a relative absence of an American presence on the buying front, with Europeans taking home most of the spoils. His partner Tim Blum concurred, adding that the disparity did little to slow the market down. “Basically everything sold,” he said. That included Takashi Murakami’s 2010 acrylic on canvas Korin Dokuro, which sold for $550,000, and a 2009 Murakami diptych representing a reprise on canvas of his famed, randy sculpture duo My Lonesome Cowboy and Hiropon. The platinum-leaf diptych debuted at the gallery’s new space last fall, but had to travel to Basel this week to find a buyer, selling for a little over a million dollars “to Asia.”

http://www.artinfo.com/news/story/34929/the-market-cooks-at-art-basel-sometimes-at-a-simmer-sometimes-at-a-boil/

There is no doubt, because of his coming solo show in Versailles, that 2010 will become the year of Takashi Murakami.

I'm still missing any comments regarding 「Murakami's 2010」 from Japanese and Asian critics on this ARTiT website.

My social commentary will be shown at my coming solo exhibition at Bunkamura Gallery.

「亜 真里男展　”美人画”」 @ BUNKAMURA GALLERY。New Oil Paintings。
http://www.art-it.asia/u/sfztpm/SPCrgXRVHtAB2nWTGkxl/



亜 真里男 Mario A
「Japanese Anime Love（隆）」(Takashi)
2009年

油彩・キャンヴァス
・M120
oil on canvas, 193.9×97 cm, detail



亜 真里男 Mario A
「Japanese Anime Love（隆）」
(Takashi) 2009年

油彩・キャンヴァス
・M120
oil on canvas, 193.9×97 cm



Takashi Murakami @ ART BASEL MIAMI

As an archive, I'm introducing two articles from this year. Follow-up stories will come.
On the Japanese side of this blog I also mentioned that Weiwei AI's work don't look Chinese in my eyes.



亜 真里男 (A Mario) 「美人画」(Bijin-ga)、油 (oil on canvas)、2009、detail

Among other aspects, what kind of works are famous Japanese artists selling at the Hongkong Art Fair 2010?



Takashi Murakami



Yoshitomo Nara



Yoshitomo Nara



Tatsuo Miyajima

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Minsheng Art Museum opens in Shanghai
By Chen Qide (chinadaily.com.cn)
Updated: 2010-04-19 14:22

Minsheng Art Museum opened in Shanghai on April 18 to exhibit China's contemporary art in the past 30 years.
"We aim to let audience review the historic development process of China's contemporary art by displaying works from more than 80 artists,'' said He Juxing, president of Minsheng Art Museum.
A total of 100 pieces of paintings on display are all the works in the original drawn in the past 30 years, telling audience the life of common people and the tortuous history at that era, He said.
All the works are home made and the exhibition has taken three years to prepare with the support of domestic art museums, galleries and painting collectors, he said.
Since the 1980s, China has witnessed three relatively independent art systems, that is, traditional Chinese painting, Western realist painting and contemporary art. They have coexisted, with each possessing its own character and expressing itself in its own way, He said.
However, of these three systems, only contemporary art which started in the 1980s, represents the main motive force of change in the past 30 years, the museum president said.
"It has aroused the great attention of artists from home and abroad," he said.
Around 1979, a number of exhibitions that were not approved by the authorities were held in Beijing and Shanghai by young artists. Among them were Beijing's most celebrated "starts'group" consisting of dozens of young artists.
They hung their works on the outside walls of the China Art Museum to show their individual feelings and experiences by using abstract art, expressionism, fauvism and other artistic languages.
"The 30 years of art history in China have presented an unusually complex process full of a logic of paradox and self-denial," said Gao Minglu, an art critic.
The Tibetan paintings drawn by Chen Danqing in 1980 led to a revival of naturalism which requires literature and arts to approach the daily life. His works gave off the glimmers of humanity, another art critic Liu Xiaodong said.
"These works show the strength of China contemporary art, giving audience an opportunity to probe into the life of common life in the different historic phases,'' He said.
Zhou Tiehai, executive president of the museum, said the museum will hold a series of exhibitions on China contemporary art in the future three years.
A photo-taking show on China contemporary art in the past 30 years will be held in May of 2011 and a sculpture show in May of 2012, he said.
Guo Xiaoyan, vice president of the museum, said a contemporary art fund will be set up with the financial support from the Minsheng Bank to award prizes to the artists who make great artistic contributions.
The bank has established a fund for social service with 0.8 per cent to 1.2 per cent of its annual profit as funds. It took out 100 million yuan last year for the fund, He said.
Guo said awardees' works will be on global display and the first choose of public appraisal will be made in October of 2011.
The museum has also established an artistic research center to support theorists and scholars in their research of China contemporary art.

http://www.chinadaily.com.cn/china/2010-04/19/content_9747685.htm

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China
Gebt uns unsere Kunst zurück!
Die zeitgenössische Kunst wird in China zur Machtfrage. Funktionäre, Intellektuelle und die private Minsheng-Bank wollen dem Westen die Deutungshoheit entreißen. Denn sie fühlen sich missverstanden und missbraucht.
Von Mark Siemons, Schanghai

19. Juni 2010 
Wird die zeitgenössische Kunst Chinas vom Westen manipuliert? In offiziellen, aber auch in einigen intellektuellen Kreisen der Volksrepublik wächst der Argwohn, die tonangebenden Sammler und Kuratoren aus Europa und Amerika hätten die Kunst, die nach 1979 in China entstanden ist, in ihr eigenes Schema gepresst. „Je mehr das westliche Kapital die zeitgenössische chinesische Kunst pusht“, sagte Xu Qinsong, der stellvertretende Vorsitzende des nationalen Künstlerverbands, auf der letzten Sitzung der Politischen Konsultativkonferenz des chinesischen Volkes, „desto mehr kann es die Trends der einheimischen Kunst bestimmen.“
Der Ruf danach wird lauter, die Kunst der Nation zurückzugeben und sie im Rahmen einer chinesischen Theorie, die Philosophie ebenso wie Kunstgeschichte umfasst, neu zu sichten. Eine Schlüsselrolle spielt dabei die Minsheng-Bank, Chinas erste und erfolgreichste Privatbank. Deren Entscheidung, als erstes chinesisches Finanzinstitut im großen Stil in zeitgenössische Kunst zu investieren, ist nicht nur den Sponsoring- und Marketingstrategien ihrer europäischen Konkurrenz, der Deutschen Bank oder der UBS-Bank, abgeschaut. Mit ihrem gerade eröffneten Museum in Schanghai, einem Forschungszentrum in Peking und der geplanten Ausschreibung eines Preises für zeitgenössische Kunst will die Bank ausdrücklich eine Revision der Kunst aus chinesischer Perspektive befördern. Auch beim Buddhismus, schreibt der Kunsttheoretiker Gao Minglu in seinem Beitrag zur Eröffnungsausstellung, habe es einige Zeit gedauert, bis China seine eigenen Interpretationen und Schulen wie den Chan (Zen) entwickelte; mit dem West-Import der zeitgenössischen Kunst werde es sich ähnlich verhalten.

Vertraut und exotisch zugleich
Der geschäftsführende Direktor des Minsheng-Museums ist ein gedrungener Mann Mitte vierzig mit pechschwarzem Haar. Zhou Tiehai ist selbst Künstler, allerdings einer, der im Sinne seines Vorbilds Duchamp nicht eigenhändig malt oder ähnlich handwerkliche Verrichtungen vornimmt, sondern den Kunstbetrieb mit quasi industriellen Mitteln zum Thema seiner Kunst macht. In den neunziger Jahren entdeckte er, wie die zeitgenössische Kunst in China funktionierte: Man nahm Gemälde im westlichen Stil und versah sie mit chinesischen Signalelementen (Mao, kulturrevolutionäre Propaganda und so weiter), damit sie für ein internationales Publikum vertraut und exotisch zugleich wirkten. Als Reaktion ließ er von den Angestellten seiner Werkstatt Nachbildungen berühmter europäischer Gemälde anfertigen, in die er das Kamel aus der Camel-Werbung plazierte, dem er dann auch noch eine Sonnenbrille verpasste. Die Antistrategie gelang und machte ihn berühmt und reich. Jetzt geht zum ersten Mal der Anflug eines Lächelns über sein Gesicht, als im Café des Minsheng-Museums die Frage im Raum steht, ob er das Museum auf ähnlich ironische und spielerische Weise zu betreiben gedenke wie seine Kunst. Nein, nein, sagt er, die Kunst mache er für sich, im Museum aber wolle er der Gesellschaft dienen, das seien zwei verschiedene Dinge.
Zhou versteht die Minsheng-Bank als ein mögliches Bindeglied zwischen der Kunst und der Gesellschaft und insbesondere der Politik. Als Einrichtung, die es mit dem weithin akzeptierten Wert Geld zu tun hat und insofern Vertrauen genießt, könne sie den Soupçon älterer Funktionäre gegenüber dieser ebenso unverständlichen wie ideologisch verdächtigen Sphäre überwinden. Und als chinesische Institution könne sie zugleich dazu beitragen, die Kunst im Rahmen der chinesischen Gesellschaft und Geschichte neu zu verstehen. Der für das Marketing und Kunstengagement der Minsheng-Bank verantwortliche Manager He Juxing schreibt zur Eröffnung, die historischen Recherchen des Museums würden für den Nachweis dessen, was an der neuen chinesischen Kunst chinesisch ist, ein Meilenstein sein.
Ein eigenes „Kunstsystem“ entwickeln
Diese Absicht entspricht den offiziellen Wünschen, wie sie etwa während der Beratungen der Konsultativkonferenz des chinesischen Volkes zur Kulturindustrie vorgebracht wurden. China, hieß es dort, müsse seine Erkundung der modernen und zeitgenössischen ästhetischen Theorie beschleunigen, um ein eigenes „Kunstsystem“ zu errichten. Mit diesem Ziel wurde im November vergangenen Jahres unter dem Dach der Chinesischen Kunstakademie ein Thinktank ins Leben gerufen. Die teuersten chinesischen Künstler, von Zhang Xiaogang über Fang Lijun und Yue Minjun bis zu Cai Guoqiang, ließen sich als Experten dieses Instituts ernennen. Der Gefahr der Vereinnahmung stellten sie die Anerkennung gegenüber, die ihre Arbeit dadurch so offiziell wie nie zuvor erfahre. Ye Yongqing, der künstlerische Direktor der Einrichtung, mahnte an, dass es eine vollständige nationale Infrastruktur mit öffentlichen Museen, Galerien, Stiftungen und Sammlern aufzubauen gelte.
Zwei Ströme laufen bei solchen Absichtserklärungen, die Kunst zu sinisieren, ineinander. Zum einen handelt es sich offenkundig um den Versuch der Regierung, auch diesen Teil der Kultur ihrer Vorstellung von staatlicher Souveränität einzugliedern. Im Hintergrund steht wie bei so vielen Regierungseinlassungen der letzten Zeit die Idee eines nationalen Wesens, die aber inhaltlich nicht weiter gefüllt ist. Politisch missfällt am westlichen Einfluss darüber hinaus, dass er die Kunst nach der Kulturrevolution als Ausdruck von Individualismus und Freiheitswillen, als nachgeholte Avantgarde eben, deutet. Das meinte der stellvertretende Kulturminister Wang Wenzhang wohl, wenn er in seinem Beitrag zur Eröffnungsausstellung von einer „nichtkünstlerischen, ideologischen Interpretation durch den Westen“ sprach, die es zu überwinden gelte. Schon früher einmal hatte er den Aspekt genannt, unter dem dagegen die neue Kunst in offiziellen Kreisen wertgeschätzt werden kann: Sie spiegele das moderne chinesische Leben in den vergangenen dreißig Jahren; ihre propagandistische Funktion soll also die Illustration und Bestätigung der Reformpolitik der Kommunistischen Partei sein.
Aus dem Korsett der westlichen Deutung befreien
Offensichtlich geht der Anspruch auf Deutungshoheit da mit dem Willen zur Kontrolle und mit handfester Geschäftstüchtigkeit zusammen. Nach dem Eindruck des Schweizer Mäzens Uli Sigg, des Eigentümers der wohl größten Sammlung chinesischer Kunst in der Welt, werde die Kunst in China umso mehr als Machtfrage behandelt, je mehr der Politik ihre ökonomische Dimension bewusst wird. Doch die Entdeckung komme etwas spät; inzwischen seien die Preise für die Kunst seit 1979 hoch, und repräsentative Ausstellungen über diese Zeit seien ohne die von europäischen Sammlern in den letzten Jahrzehnten erworbenen Stücke kaum mehr zu realisieren. Vielleicht auch aus diesem Grund ist das Minsheng-Museum eine Zusammenarbeit mit dem „Ullens Center for Contemporary Art“ eingegangen, das der belgische Sammler Guy Ullens vor drei Jahren im Pekinger Kunstdistrikt „798“ errichtet hat. Hartnäckig hält sich das Gerücht, dass Minsheng das in finanziellen Nöten steckende Ullens-Center übernehmen könnte, aber bisher streiten alle Beteiligten solche Vermutungen ab.
Doch der Wunsch, die Kunst aus dem Korsett ihrer westlichen Deutung zu befreien, ist nicht nur regierungsamtlicher Art; auch einige angesehene Künstler und Kritiker plädieren dafür: am grundsätzlichsten der in Pittsburgh forschende Kunsttheoretiker Gao Minglu, der zu diesem Zweck ein Archiv der zeitgenössischen chinesischen Kunst ins Leben gerufen hat. Er schlägt ein aus der Tang-Dynastie im neunten Jahrhundert übernommenes Deutungsschema namens „Yi Pai“ vor, das er als „subversive Theorie gegen die Repräsentation“ versteht; sie stelle eine pluralistische Alternative zum dichotomen Rationalismus des Westens und zu dessen dekonstruktivistischer Gegenbewegung dar.
Eine unabhängige Kunstkritik fehlt dem Land noch
Das Minsheng-Museum zählt nun Gao Minglu ebenso wie den widerspenstigen Kritiker Li Xianting und andere unabhängige Geister zu seinen Unterstützern; offensichtlich vermag das Institut sowohl die offizielle wie die intellektuelle Klaviatur zu bedienen. In der Eröffnungsausstellung über „Dreißig Jahre chinesische zeitgenössische Kunst“ (geöffnet bis 18. Juli) ist, anders als bei sonstigen Präsentationen dieser Ära, der Anteil naturalistischer Gemälde hoch; weniger die Brüche als die Übergänge zum sozialistischen Realismus werden betont, etwa bei den Darstellungen tibetischer Bauern, die der heute noch als öffentlicher Intellektueller geschätzte Chen Danqing Anfang der achtziger Jahre malte. Solche Bilder hängen unverbunden neben Werken wie „Sartre - Er ist es selbst“, die zu Ikonen des an Europa orientierten „Kulturfiebers“ der achtziger Jahre wurden. Die Schau ist weniger eine Korrektur als eine Erweiterung des bisherigen Deutungsschemas.
Nachdem die Minsheng-Bank bisher nur ein Haus im vom Abriss bedrohten Schanghaier Skulpturenpark übernommen hat, will sie demnächst einen repräsentativen eigenen Museumsbau errichten und auch eine eigene Sammlung aufbauen. Ob es langfristig gelingt, eine chinesische Deutung chinesischer Kunst anzustoßen, die frei von propagandistischen Vorgaben ist, hängt freilich eher von anderen Faktoren ab: vor allem von der Entwicklung einer unabhängigen Kunstkritik, die dem Land immer noch fehlt.
Text: F.A.Z.
Bildmaterial: Mark Siemons, Minsheng-Museum

http://www.faz.net/s/RubEBED639C476B407798B1CE808F1F6632/Doc~E24717313B99E43A0A971857F49D88C8A~ATpl~Ecommon~Scontent.html




Revision der Kunst aus chinesischer Perspektive: das Minsheng-Museum in Schanghai



Alte Hülle: Zhong Mings Gemälde "Sartre - Er ist es selbst" zeigt, dass in den achtziger Jahren in China noch der Wunsch nach Aneignung des Fremden bestand



Abhängig vom europäischen Geschmack? Zhou Tiehais Gemälde „You Are Not A Hero, Just Because You Have A Show In Venice” von 1998



Zeugnis eines Gesellschaftskonflikts: Gu Wendas "Drama der Mischung zweier Kulturen"

Satoru AOYAMA won the Mori Museum Prize 2010!
My congratulations!

Please see the following links:

http://www.mori.art.museum/contents/roppongix2010/prize/index.html

MoriArtMuseum 06/13/10 12:33AM
http://www.ustream.tv/recorded/7629724#utm_campaigne=synclickback&source=http://www.mori.art.museum/contents/roppongix2010/prize/main.html&medium=7629724

My Japanese blog text from the 5th of June:
"青山悟・when attitude becomes form"
http://www.art-it.asia/u/sfztpm/yBX4fTa9ldJDGmvNiOqW/